We are what we are through the other from Harm Lux

Berlin, 24 January, 2002
Dear Barbara,
The reflections on my coffee mug and in my tired eyes are made by the light of my laptop with your pictures blue, green, yellow and pink surfaces. Then the crown of a Sicilian tree. Nature, a dying tree speechless, chief contemporary witness. Is it just my impression, or is your work now really much more emotionally evocative than before? Has your personal hand grown clearer do I better understand your feelings perhaps because the occidental formalism of a society of a multiplicity of meanings has outlived itself? How do you feel about this?

(German and Italian scroll down)

Harm
Milan, 25 January, 2002
Dear Harm,
The pitcher holds water until it breaks. Formalism formalizes, minimalism minimizes, reduction reduces until nothing is left. The eyes and the senses, however, scream for nutrition they want to perceive. We are curious, we want to play, we are hunters and gatherers. That is the beginning. The camera begins seemingly without an objective. Then I start to analyze, create relationships, develop a concept. I comb through my archive. Then I select, combine photographs with photographs, photographs with writing. Pairs are born, groups, even single pieces, works in themselves or those designed for a specific space. To define it in theoretical terms, meaning arises from the decontextualization and the construction of relationships. Personal pictures are truly a motive for me to open myself to the perception of something. My personal pictures are actually personal in that they show themselves to ME in front of my lens. They could therefore be the personal pictures of anyone. My pictures are simply my personal view, but nonetheless representative of the very concept of a personal picture. In this sense, they are impersonal, generic and objective.
Barbara

Berlin, 27 January, 2002
Dear Barbara,
I am hacking away at it again: your personal pictures are still your personal memories. And for this reason, sentimentality is not far away. Don’t get me wrong in a technocratic, emotionally cold society, the desire for unity, for a oneness of being is only natural. With your pictures, you are clearly looking back at something which is meaningful to you above all, in order to experience it in a new context and with new connections. I find this not at all disagreeable. The sentimental search for unity and oneness of being does not simply direct our vision backwards, but rather, it releases new energies, looks forward, rearranges, proposes new relationships. But we are speaking of concepts again. However, I will not let you off the hook just yet. I ask you once again, very personally, very intimately has the private become more important for you? Has your orientation changed? Are you more influenced today by your personal experiences than by public events, public developments, public symbols?
Harm

Milan, 28 January, 2002
Dear Harm,
Not separating the personal from the public is a known claim of feminists from the 70s. I grew up at the time. And, probably, this quality has remained in my blood and in my bones. Today I experience the way that daily life - the organization of the personal clings. But obviously, the public does not simply disappear from the world, from my world. It only arrives to me more thoroughly filtered. That is to say that the social, political realities have a stronger or a weaker influence on my tendency towards a more private life situation, on the theme of closeness and distance. I have to fight for those concentrated moments of being with myself. I have to push aside the impulses of daily life in order to clear free a time and a space for myself. However, I would certainly not say that my orientation has fundamentally changed but rather, that I attempt to live more consciously, more openly and more osmotically. Perhaps it is that today I am more meaningful, more playful. But obviously, following this meaningful shooting, this game, is then the phase of analysis, of intellectual elaboration. I wrote in my journal in 1996 (this sentence, by the way, is printed on a postcard in the trunk of the exhibition Living Texture, which you curated in Copenhagen): «Why do we make self-referential and abstract art and then talk endlessly about relationships, sex and children?» That was really a turning point.
Barbara

Milan, 29 January, 2002
Dear Harm,
Your preoccupation with the personal gives rise to the following question: How will my works be received? Why do you focus only on the personal pictures if the work is simultaneously private on one hand and public on the other? Are the private photos stronger because of their intimacy a kind of frontier land whereas the public are more common in an artistic context? Or do you consider the act of photographing, of personal perception, as fundamentally personal and sentimental»
Barbara

Berlin, 17 April 2002
Dear Barbara,
Actually, my question regarding the personal was about the following: How has your relocation to another to the Italian culture, how has the change in familiar setting, how has your broadened life experience influenced your art? We are what we are through circumstances. We are what we are through the other. I am therefore speaking of the personal, but also of circumstances, and hence of the public. I look at your work, and I see a vocabulary that is moving from the formal towards a personally marked, poetic form. Your work has gained a stronger poetry. I am curious as to how you will describe this to me.

Harm
Milan, 18 April, 2002
Dear Harm,
Is it perhaps not so, that the search for a position in ones life and in ones work is a never-ending process which is what makes life worth living in my own opinion? Just like most, in the first years after having completed my studies, I had the tendency to hide my insecurity with formalisms and self-referential artistic quotations (in this, my generation was greatly aided by post-modernism). The development in the direction of my own poetry, which you are convinced to identify in my work, I see as an asymptotic movement, as an approach with no potential arrival. Obviously, the more we are able to create our own syntax in our work, the more satisfied we are. This is a risky path. Whoever gives himself a value will be criticized in that he exposes himself. However, without this risk, nothing new is created, nothing suspenseful. And I mean suspenseful quite literally something is suspended between my work and the beholder. In the best case, something is triggered inside the viewer which has some effect on him, on his sensibility. From a concentrated situation of introspection, a poetry arises, a syntax, a visual vocabulary which makes an outward connection. As you wrote, «We are what we are through the other»
Barbara

Berlin, 19 April, 2002
Dear Barbara,
This evening I looked through your portfolio once again. The existence of your own vocabulary is gradually becoming clear. I see how you have inscribed yourself in this material.
Harm

Milan, 21 April, 2002
Dear Harm,
Could you elaborate on that thought?
Barbara

Berlin, 21 April, 2002
Dear Barbara,
At first, you tried to dedicate a lot of time and energy. Then, gradually you sought your own way to leave your education partially behind you, setting your own accents by collecting and by ordering. Later, you began to bring others into your work. You constructed a place, a cocoon, where others could also exist in other words, where they could also express themselves artistically. An artistic hospitality through which others find you and broaden your work (Kant comes to my mind here). It is actually quite logical first one tries the formal, which is the challenging way, then one begins to consider the other. The fruits of both are harvested in a later phase. That is what I mean by the clearly recognizable «self-inscription».

Harm
Milan, 25 April, 2002
Dear Harm,
Now theory and I hope this ties together with the way I see the development in my work. The imitation of form (the cocoon) follows the opening to the other. The concentration on the internal brings us to the self through a dialectic with the external. After an analysis and decontextualization, the internal gradually crystallizes into a visualization which is no longer a cocoon, but rather a luminance, the aura of being. Well. That was definitely experimentation! Much also happens on its own, intuitively. And only with distances in time and space can one judge what is really happening, the way development has actually occurred. For now, only this: the artistic process is composed of exactly this sort of two-stroke engine diving in and reemerging, losing yourself in curiosity, in an attempt to understand the next step on the horizon, what happened or how something works.
Barbara

Berlin, 9 May, 2002
Dear Barbara,
The problem of our time is that everyone wants to understand everything. Perhaps we ourselves (as well as things) would come closer if the so-called communications wouldnt communicate as much. Silence builds and strengthens the empathetic element in us. It helps to bring us closer to the matter, to ourselves and to newness.
Harm

Was wir sind, sind wir durch den Andern

Berlin, 24. Januar 2002
Liebe Barbara
Auf den Kaffebecher und auf meine müden Augen fällt das Licht des Laptops mit Deinen Bildern: Blaue, grüne, gelbe und rosa Flächen. Dann die Krone eines sizilianischen Baumes. Die Natur, ein sterbender
Baum: sprachloser Zeit- und Kronzeuge. Täuscht mich der Eindruck oder wird Dein Werk heute tatsächlich stärker vom Gefühl geprägt als früher? Ist Deine persönliche Handschrift deutlicher geworden, lese ich mehr von Deinen Gefühlen vielleicht, weil der abendländische Formalismus in einer von Bedeutungsvielfalt bestimmten Gesellschaft sich selbst überlebt hat? Wie ist das bei Dir?
Harm

Mailand, 25. Januar 2002
Lieber Harm
Der Krug geht zum Brunnen, bis er bricht. Der Formalismus formalisiert, der Minimalismus minimalisiert, die Reduktion reduziert bis nichts mehr da ist. Die Augen und die Sinne aber schreien nach Nahrung, wollen wahrnehmen. Wir sind neugierig, wir wollen spielen, wir sind Jägerinnen und Sammlerinnen.
Das steht am Anfang. Scheinbar ziellos fängt die Kamera ein. Erst dann analysiere ich, stelle Zusammenhänge her, mache ein Konzept. Das Vorhandene im Archiv wird durchforstet. Dann wähle ich aus, füge zusammen: Fotografien zu Fotografien, Fotografien zu Texten. Es entstehen Paare, Gruppen, auch Einzelteile, Werke für sich oder raumspezifisch konzipiert. Um es theoretisch zu sagen: Bedeutung entsteht mittels Dekontextualisierung und Konstruktion von Bezügen. Persönliche Bilder sind für mich wohl zuerst Anlass, mich zu öffnen, etwas wahrzunehmen.
Meine persönlichen Bilder sind ja persönlich insofern, als sie MIR vor das Objektiv laufen. Sie könnten also persönliche Bilder von irgend jemandem sein. Meine Bilder sind einfach mein persönlicher Blick, so aber auch stellvertretend für das persönliche Bild überhaupt. Insofern sind sie also auch unpersönlich, allgemeingültig und objektiv.
Barbara

Berlin, 27. Januar 2002
Liebe Barbara
Ich hake noch einmal nach: Deine persönlichen Bilder sind immerhin auch Deine persönlichen Erinnerungen. Und da ist Sentimentalität nicht weit. Versteh mich nicht falsch: In einer technokratischen, gemütskalten Gesellschaft ist der Wunsch nach Bindung, nach einem grossen Ganzen nur zu verständlich. Mit Deinen Bildern blickst Du ja auch zurück auf etwas für Dich Wertvolles allerdings, um es in neuer Umgebung, in neuem Zusammenhang neu zu beleben.
Das gefällt mir gar nicht schlecht: Das sentimentale Bedürfnis nach Bindung und grossem Ganzen richtet den Blick nicht einfach nach hinten, sondern setzt neue Energien frei, schaut nach vorne, ordnet neu, stellt neue Beziehungen her. Aber da reden wir schon wieder von Konzepten. Vorerst will ich Dich nicht entwischen lassen. Ich frage noch einmal ganz persönlich, ganz intim: Ist Dir das Private wichtiger geworden? Hat sich Deine Orientierung verändert? Beeinflussen Dich persönliche Erfahrungen heute mehr als die öffentlichen Ereignisse, die öffentlichen Entwicklungen, die öffentlichen Zeichen?
Harm

Mailand, 28. Januar 2002
Lieber Harm
Das Persönliche nicht vom Öffentlichen zu trennen, ist bekanntlich eine Forderung der Feministinnen aus den Siebzigerjahren. Ich bin damals aufgewachsen. Und wahrscheinlich ist mir diese Forderung in Blut und Knochen übergegangen. Ich erfahre heute, wie mich der Alltag die Organisation des Persönlichen umklammert. Aber selbstverständlich verschwindet damit das Öffentliche nicht einfach aus der Welt, aus meiner Welt. Nur dringt es stärker gefiltert zu mir durch.
Will heissen: Die gesellschaftlichen, politischen Gegebenheiten machen mich je nach privater Lebenssituation oder Nähe und Distanz zu einem Thema stärker oder weniger stark betroffen. Ich muss mir die konzentrierten Momente, das Bei-mir-Sein, erkämpfen. Ich muss die Zwänge des Alltags beiseite schieben, um Zeit, und Raum für mich freizuschaufeln. Ich würde zwar nicht sagen, dass sich meine Orientierung grundsätzlich verändert hat aber, dass ich versuche, bewusster und offener auch osmotischer zu leben. Vielleicht ist es so, dass ich heute sinnlicher, spielender bin. Aber selbstverständlich folgt diesem sinnlichen Aufnehmen, diesem Spiel dann die Phase der Analyse, der intellektuellen Bearbeitung. Ich habe 1996 in mein Tagebuch geschrieben (dieser Satz stand übrigens auf einer Postkarte im Koffer der von Dir kuratierten Ausstellung Living Texture in Kopenhagen): «Warum machen wir selbstreferenzielle und abstrakte Kunst und reden ständig über Beziehungen, Sex und Kinder?» Das war tatsächlich ein Wendepunkt.
Barbara

Mailand, 29. Januar 2002
Lieber Harm
Dein Nachhaken nach dem Persönlichen weckt folgende Frage: Wie werden meine Arbeiten rezipiert? Warum fokussierst Du nur die «persönlichen Bilder», wenn die Arbeit doch einerseits «private», andererseits aber auch «öffentliche» Sichtweisen beinhaltet? Sind die «privaten» Fotos durch ihre Intimität anstossender, ein Grenzgang, während die öffentlichen halt gewohnter sind im Kunstkontext? Oder liest Du den Akt des Fotografierens, die persönliche Wahrnehmung grundsätzlich als «persönlich und sentimental»?
Barbara

Berlin, 17. April 2002
Liebe Barbara
Eigentlich ging es mir bei der Frage nach dem «Persönlichen» um Folgendes: Wie hat Dein Umzug in eine andere in die italienische Kultur, wie hat das veränderte familiäre Setting, wie hat Deine erweiterte Lebenserfahrung Einfluss auf Deine Kunst genommen? Was wir sind, sind wir durch die Umstände. Was wir sind, sind wir durch den andern. Spreche ich also das Persönliche an, spreche ich auch die Umstände an, also das Öffentliche. Schaue ich auf Dein Werk, dann sehe ich ein Vokabular, das sich von einer formalen zu einer persönlich geprägten, poetischen Form hin bewegt. Dein Werk hat eine stärkere eigene Poesie bekommen. Ich bin neugierig, wie du mir diese beschreiben wirst.
Harm

Mailand, 18. April 2002
Lieber Harm
Ist es denn nicht so, dass die Suche nach einer eigenen Position im Leben und im Werk ein nie endender Prozess ist was meiner Meinung nach das Leben überhaupt lebenswert macht? Wie fast alle hatte auch ich in den ersten Jahren nach der Ausbildung die Tendenz, meine Unsicherheit mit Formalismen und selbstreferentiellen Kunstzitaten zu kaschieren (da kam meiner Generation die Postmoderne auch ganz hilfreich entgegen). Die Entwicklung in Richtung einer eigenen Poesie, die Du in meinem Werk auszumachen glaubst, sehe ich als asymptotische Bewegung, als eine Annäherung, ohne je wirklich anzukommen. Selbstverständlich geben wir uns immer stärker preis, je mehr wir in unserem Werk eine eigene Syntax schaffen. Das ist ein risikoreicher Weg. Wer sich preis gibt, wird kritisierbar, setzt sich aus. Aber ohne dieses Risiko entsteht nichts Neues, nichts Spannendes. Spannend meine ich jetzt ganz wörtlich: Es spannt sich etwas zwischen meinem Werk und dem Betrachter. Im besten Fall tippt es im Betrachtenden etwas an, das ihn angeht, in seiner Sensibilität trifft. Aus einer konzentrierten Forschersituation, die nach Innen geneigt ist, entsteht eine Poesie, eine Syntax, ein Bildervokabular, das Verbindung nach Aussen aufnimmt. Was wir sind, sind wir durch den andern, hast Du geschrieben
Barbara

Berlin, 19. April 2002
Liebe Barbara
Ich bin heute Abend noch einmal durch dein Portfolio gegangen. Langsam wird sichtbar, wie ein eigenes Vokabular entsteht. Ich sehe, wie Du Dich im Material einschreibst.
Harm

Mailand, 21. April 2002
Lieber Harm
Kannst Du das genauer ausführen oder mehr darüber sagen?
Barbara

Berlin, 21. April 2002
Liebe Barbara
Zuerst hast Du versucht, Dich einzubringen. Hast langsam Deinen Weg gesucht, den Einfluss der Ausbildung teils hinter dir lassend, eigene Akzente setzend beim sammeln und beim ordnen. Später hast Du angefangen, andere in Deine Werk miteinzubeziehen. Du hast einen Ort, eine Hülle gebaut, wo andere auch sein konnten, das heisst: sich künstlerisch artikulieren konnten. Eine künstlerische Hospitality, durch die anderen Dich finden und Deine Arbeit erweitern (Kant kam mir im Sinn). Es ist ja ganz logisch: Zuerst erprobt man das Formale, das einen am wenigsten herausfordert, dann setzt man sich mit dem Anderen auseinander. Die Früchte von beidem erntet man in einer späteren Phase. Das ist, was ich mit der deutlich erkennbaren Selbsteinschreibung meine.
Harm

Mailand, 25. April 2002
Lieber Harm
Jetzt Theorie und ich hoffe, das fasst zusammen, wie ich die Entwicklung im Werk sehe: Der Imitation der Form (Hülle) folgt die Öffnung zum Andern. Die Konzentration auf das Innen wird durch Dialektik mit dem Aussen zum Selbst. Nach Analyse und Dekontextualisierung kristallisiert sich das Material allmählich in einer Visualisierung, die nicht mehr nur Hülle ist, sondern Schein, Aura des Seins. Uff. Das war natürlich Labor. Vieles passiert ja auch ungewollt, intuitiv. Und erst mit der zeitlichen und örtlichen Distanz kann man bewerten, was wirklich passiert, wie eine Entwicklung tatsächlich gelaufen ist. Vorläufig nur noch dies: Der künstlerische Prozess besteht ja genau aus dieser Art Zweitaktmotor Eintauchen, Auftauchen, sich neugierig verlieren um in einem nächsten Schritt aus der Entfernung versuchen zu verstehen, was passiert ist oder wie etwas funktioniert.
Barbara

Berlin, 9. Mai 2002
Liebe Barbara
Mir fehlt der Mut, deine Zusammenfassung zu bejahen, weil man aus einem künstlerischen und einem menschlichen Werdegang nicht eine Anschauungsformel giessen sollte.
Das Problem unserer Zeit ist, dass alle alles verstehen wollen. Vielleicht würden wir uns (und den Dingen) näher kommen, wenn nicht immer die so genante Kommunikation so gross schreiben würden. Die Stille fördert und stärkt das Empathische in uns. Sie hilft uns, der Sache, uns selbst und Neuem näher zu kommen.
Harm

Ciò che siamo, lo siamo attraverso l’altro

Berlino, 24 gennaio 2002
Cara Barbara
Sulla tazza di caffè e sui miei occhi stanchi scende la luce del portatile con le tue immagini: superfici blu, verdi, gialle e rosa. Poi la chioma di un albero siciliano. La natura, un albero morente: muto testimone del tempo e degli avvenimenti. È un’impressione ingannevole, la mia, o la tua opera oggi è segnata ancora più profondamente dal sentimento rispetto a un tempo? Forse la tua calligrafia così personale si è fatta più rivelatrice e leggo di più dei tuoi sentimenti perché ritieni il puro formalismo occidentale superato, in una società caratterizzata dalla molteplicità dei significati? Nel tuo caso comè?
Harm

Milano, 25 gennaio 2002
Caro Harm
Tanto va la gatta al lardo Il formalismo formalizza, il minimalismo minimalizza, la riduzione riduce. Fin quando non c’è più niente. Ma gli occhi e i sensi reclamano a gran voce nutrimento, vogliono percepire. Siamo curiosi, vogliamo giocare, siamo cacciatori e collezionisti. All’inizio è così. La macchina fotografica scatta apparentemente senza meta precisa. Soltanto dopo analizzo, creo correlazioni, elaboro un concetto. Si esamina quel che si trova nell’archivio. Allora seleziono, congiungo: fotografie a fotografie, fotografie a testi. Ne nascono coppie, gruppi, anche pezzi singoli, opere a sé stanti o concepite appositamente per lo spazio. Per parlare in termini teorici: il significato nasce dalla decontestualizzazione e dalla costruzione di relazioni. Immagini personali sono per me innanzitutto l’occasione per aprirmi, per percepire qualcosa. Le mie foto personali sono personali, nel senso che è A ME che scorrono davanti all’obiettivo. Potrebbero essere le immagini personali di chiunque. Le mie foto sono semplicemente il mio sguardo personale, ma in tal modo diventano la sostanza dell’immagine personale. Per questo sono anche impersonali, oggettive e di validità generale.
Barbara

Berlino, 27 gennaio 2002
Cara Barbara
Ritorno ancora una volta sull’argomento: le tue foto personali sono pur sempre anche i tuoi ricordi personali. E allora il sentimentalismo non è lontano. Non fraintendermi: in una società tecnocratica, priva di sentimenti, è fin troppo comprensibile il desiderio di legame, di qualcosa di più grande. Con le tue foto, tu getti anche uno sguardo indietro su qualcosa di significativo per te: ma per ridargli nuova vita in un ambiente nuovo, in una nuova relazione. E questo non mi dispiace: il bisogno sentimentale di legame e di totalità non si limita a volgere lo sguardo indietro, ma sprigiona nuove energie, guarda innanzi, ordina in modo nuovo, crea nuove relazioni. Ma allora torniamo nuovamente a parlare di concetti. Non voglio essere elusivo. Quindi ti rivolgo ancora una volta questa domanda in modo del tutto personale, intimissimo: il privato ha acquistato più importanza, per te? Il tuo orientamento è mutato? Sono le esperienze personali ad influenzarti, oggi, più degli avvenimenti pubblici, degli sviluppi pubblici, dei segni pubblici?
Harm

Milano, 28 gennaio 2002
Caro Harm
Non separare il personale dal pubblico, com’è noto, era un’esigenza delle femministe degli anni Settanta. Io sono cresciuta in quel tempo. E probabilmente quest’esigenza mi è penetrata nel sangue e nelle ossa. Oggi avverto come il quotidiano l’organizzazione del personale mi si avvinghia. Ma ciò non significa naturalmente la scomparsa del pubblico dal mondo, dal mio mondo. Soltanto, mi perviene filtrato con più forza. Voglio dire: le circostanze sociali e politiche mi colpiscono in misura maggiore o minore secondo la situazione della vita privata o l’affinità o il distacco da una tematica. Devo lottare per conquistarmi i momenti di concentrazione, l’essere presente a me stessa. Devo spingere da una parte le costrizioni della quotidianità per liberare tempo e spazio per me stessa. Non direi che ho modificato sostanzialmente il mio orientamento, ma che cerco di vivere con maggior consapevolezza e apertura, con una più intensa osmosi. Forse è vero che oggi sono più sensuale, più giocosa. Ma beninteso, a questo percepire sensuale, a questo gioco, fa seguito la fase dell’analisi, dell’elaborazione intellettuale. Nel 1996 ho scritto nel mio diario (questa frase era anche su una cartolina nella valigetta della mostra che hai curato tu, Living Texture a Copenhagen): «Perché facciamo un’arte autoreferenziale e astratta e parliamo continuamente di relazioni, sesso e figli?». Quello è stato effettivamente un punto di svolta.
Barbara

Milano, 29 gennaio 2002
Caro Harm
La tua ripetuta domanda circa il personale mi spinge a chiedermi come vengono recepiti i miei lavori. Perché ti focalizzi soltanto sulle immagini personali se il lavoro invece contiene da un lato modi di vedere privati, ma dall’altro anche pubblici. È come se le foto private, per la loro intimità, fossero come un terreno contiguo, un viaggio di confine, mentre quelle pubbliche semplicemente più usuali nel contesto dell’arte. O invece leggi l’atto del fotografare, la percezione personale, fondamentalmente come un qualcosa di personale e sentimentale?
Barbara

Berlino, 17 aprile 2002
Cara Barbara
A dire il vero, la mia domanda sul personale significava questo: in che modo hanno avuto influsso sulla tua arte il tuo passaggio in un’altra cultura, quella italiana, la diversa impostazione familiare, la tua esperienza di vita così estesa? Ciò che siamo, lo siamo attraverso le circostanze. Ciò che siamo, lo siamo attraverso l’altro. Se mi rivolgo al personale, mi rivolgo anche alle condizioni che ti circondano, mi rivolgo insieme anche al pubblico. Se guardo la tua opera, allora scorgo un vocabolario che si muove da una forma formale verso una forma dallimpronta personale, poetica. La tua opera ha ricevuto una poesia propria più intensa. Sono curioso di sapere come tu la descriverai.
Harm

Milano, 18 aprile 2002
Caro Harm
Non è forse vero che la ricerca di una propria posizione nella vita e nell’opera è un processo che non ha mai fine, cosa che più di ogni altra rende la vita degna di essere vissuta, a mio avviso? Come accade quasi a tutti, nei primi anni dopo la scuola avevo la tendenza a mascherare la mia insicurezza con formalismi e citazioni artistiche autoreferenziali (e in questo per la mia generazione è stato di enorme aiuto il postmoderno). Lo sviluppo in direzione di una poesia mia, che tu credi di individuare nella mia opera, lo vedo come movimento asintotico, come un avvicinarsi senza mai arrivare davvero. Naturalmente ci sveliamo sempre più decisamente, quanto più creiamo nella nostra opera una sintassi personale. Una strada fortemente esposta al rischio. Chi si rivela diviene criticabile, si espone. Ma senza questo rischio non nasce nulla di nuovo, nessuna tensione. Tensione lintendo in senso estremamente letterale: qualcosa si tende, tra la mia opera e lo spettatore. Nel migliore dei casi nell’osservatore va a sfiorare qualcosa che lo riguarda, lo colpisce nella sua sensibilità. Da una condizione concentrata da studioso, rivolta verso linterno, scaturisce una poesia, una sintassi, un vocabolario di immagini che assorbe il legame con l’esterno. Ciò che siamo, lo siamo attraverso l’altro, hai scritto.
Barbara

Berlino, 19 aprile 2002
Cara Barbara
Questa sera ho fatto un altro giro attraverso il tuo portfolio. Pian piano si palesa la nascita di un vocabolario personale. Vedo come ti inscrivi nel materiale.
Harm

Milano, 21 aprile 2002
Caro Harm
Puoi spiegarti più chiaramente o dirmi qualcosa di più?
Barbara

Berlino, 21 aprile 2002
Cara Barbara
Come prima cosa hai cercato di inserire la tua persona. Hai cercato pian piano la tua strada, lasciandoti alle spalle linfluenza dell’istruzione, ponendo accenti personali nella raccolta e nell’ordine. Successivamente hai iniziato a coinvolgere altri nella tua opera. Hai costruito un luogo, un involucro per ospitare anche altri. In altre parole, un luogo dove anche altri potevano articolarsi artisticamente. Un’ospitalità artistica, attraverso la quale gli altri ti trovano e ampliano il tuo lavoro (mi viene in mente Kant). Ed è perfettamente logico: inizialmente si sperimenta il formale, che sfida in misura minore, poi ci si mette a confronto con gli altri. I frutti dei due aspetti si colgono in una fase successiva. Questo è ciò che intendo parlando di auto-inscrizione chiaramente identificabile.
Harm

Milano, 25 aprile 2002
Caro Harm
E ora la teoria, con la speranza che riassuma il modo in cui vedo svilupparsi l’opera: all’imitazione della forma (linvolucro) segue l’apertura verso l’altro. La concentrazione sull’interno diviene se stesso attraverso una dialettica con l’esterno. Dopo l’analisi e la decontestualizzazione, il materiale si cristallizza poco a poco in una visualizzazione che non è più soltanto l’involucro, bensì il riflesso, l’aura dell’essere. Uffa. Tutte queste spiegazioni ovviamente erano pura teoria. Molto accade anche involontariamente, intuitivamente. E soltanto attraverso la distanza spazio-temporale si può valutare ciò che davvero accade, come si è realmente svolto un determinato sviluppo. Per il momento aggiungo solo questo: il processo artistico consiste proprio in questa specie di motore a due tempi: immersione, emersione, perdersi curiosi per poi tentare di comprendere in un momento successivo e con un certo distacco spaziale che cosa è accaduto o in che modo qualcosa funziona.
Barbara

Berlino, 9 maggio 2002
Cara Barbara
Il problema del nostro tempo è che tutti vogliono comprendere tutto. Forse ci avvicineremmo di più a noi (e alle cose) se la cosiddetta comunicazione non fosse sempre scritta a caratteri cubitali. Il silenzio suscita e rafforza l’empatico che cè in noi. Ci aiuta ad avvicinarci di più alla cosa, a noi stessi e al nuovo.
Harm

This text has been published in “Barbara Fässler”, ISBN 888491366, Skira Editore Milano, with a contribution from Pro Helvetia, Arts Council of Switzerland

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